Sobre o filme "O agente secreto".

O insólito é algo que pode e costuma ser atraente em arte, pois nos mobiliza a querer decifrar o que há diante de nós. em “O agente secreto”, ficamos atentos a um enredo que expõe violências e estranhezas apresentadas por um roteiro complexo (um dos diversos méritos do filme) que, de forma gradativa, vai nos revelando trama produzida no contexto da ditadura civil-militar (1964-1985). Trama essa que dialoga com os gêneros de ação, suspense e até terror - o que surpreende o espectador. E é curioso: o ambiente de caos e terror é, no fundo, propagado por estrutura e figuras bastante reais: os agentes militares. “Bacurau”, outro filme do diretor Kléber Mendonça Filho, também nos coloca diante da peculiaridade de sua forma de fazer cinema, deslocando o nosso olhar de gêneros, estilos e procedimentos fílmicos padronizados (por meio de planos que se estendem na captura da expressão de atores e figurantes, por exemplo). Há que se destacar o traço filmográfico do diretor de trazer aspectos culturais de sua cidade natal, Recife, permitindo-nos conhecer um elenco, ao mesmo tempo de diversas regiões do país (e até estrangeiro) e, especialmente, nordestino, que preenche a tela com atuações de extrema técnica e personalidade. Do mesmo modo, reconhecemos como a identidade local está presente por meio da trilha sonora, em que se inserem também canções internacionais marcantes da década de 1970, em que a trama ocorre. Wagner Moura, após maior parte do tempo como o agente secreto em questão, traz, na parte final do longa, uma composição que impressiona pelo caminho totalmente diverso do anterior, em um naturalismo que impressiona pela maneira de dizer e de agir - quase como se não fizesse esforço algum (deixando evidente a existência de outro ser!). No entanto, há trabalho e um trabalho que reside em economia e síntese, além de confiança e segurança na escolha.

Neste novo filme brasileiro sobre o regime militar e seu autoritarismo (após o também exitoso "Ainda estou aqui"), o tema causador de todo o conflito revela-se ligado ao ambiente da ciência. Um casal de pesquisadores (vividos por Moura e Alice Carvalho) são perseguidos por uma estrutura privada que quer conter a produção científica universitária no país e seus avanços. Reflexão importante em qualquer tempo dentro de um país de estrutura colonizada, como a brasileira. 

"O agente secreto", nos cinemas. Assista.

Izak Dahora

"Magia e técnica, arte e política" - ou sobre o ano em que as escolas enfatizaram negritude, religiosidade e o paradoxo do encantamento

 Imagem 1: Abre-alas da Grande Rio. Uso intensivo e dramático da iluminação e balões como seres marinhos. Fonte: Carnaval do Rio.

Desfile de escola de samba é teatralidade, mas não apenas teatralidade. É, antes de qualquer definição, expressão das verdades e códigos culturais dos grupos humanos que a praticam. Grupos tradicionalmente mantenedores de valores ancestrais de cosmopercepões afrodiaspóricas (e também ameríndias), que se materializam em forma ritual e que, para tal concretização, utilizam-se de elementos estéticos.

Em contexto em que manifestações de racismo religioso proliferam, as escolas de samba, como instituições dinâmicas que são, nascidas da negritude carioca e atentas à sociedade, voltam-se para seus valores mais essenciais. Considerado isso, tal movimento de resgate e afirmação dos próprios valores é compreensível, necessário e político (no melhor e mais amplo sentido do termo).

Diversas escolas afirmaram ser macumbeiras, quilombos ou de terreiros (e devotadas às suas divindades já comumente apresentadas) em seus sambas-enredo neste ano - a começar pela Unidos de Padre Miguel, que abriu os desfiles de forma imponente na visualidade, madura na organização e com um belíssimo samba ("Vila Vintém é terra de macumbeiro"). 

Mesmo quem não pratique ou não se interesse por esse universo cultural, pode(ria) desenvolver consciência mínima acerca da gênese da instituição escola de samba e do quanto sua fé é pressionada por projetos colonialistas há, pelo menos, cinco séculos. A produção cultural das Escolas - vale sempre destacar o termo proposto por Ismael -, ano a ano, é, portanto, ao mesmo tempo proposição, ensino, resposta e interação ao que ocorre na sua comunidade, na cidade, na sociedade (brasileira) e no mundo.

 

Magia e técnica

 

Há quem veja arte e tecnologia como inconciliáveis. Doce engano. Os desfiles provam que, equilibrada a dosagem de cada um desses elementos – e, fundamentalmente, se a técnica estiver a serviço do que se sente, pensa e propõe –, ambos foram e serão sempre íntimos um do outro. Assim têm sido também ao longo da História da arte, do teatro, do espetáculo.

Neste sentido, a magia do teatro ritual das escolas de samba é particularmente encantadora, como o que a Viradouro exibiu em seu abre-las, cuja holografia diante do protagonista Malunguinho sugere o mágico e o transe por ele acionado de maneira tão verossímil. Outro exemplo é o uso intensivo que a Grande Rio fez, mais uma vez, da iluminação, desta vez para traduzir a tormenta marítima geradora do naufrágio das três princesas turcas do enredo assinado por Gabriel Haddad e Leonardo Bora. A junção de iluminação, movimento e atuação foi algo perturbador, conforme o mito narra e sugere.

Ainda no domínio de arte/tecnologia, houve também os chapéus da comissão de frente da Viradouro (dos coreógrafos Priscila Mota e Rodrigo Negri) - no contexto mágico  e espiritual da ancestralidade do samba - e as pipas da comissão de frente dos "crias" da Mangueira (dos coreógrafos Lucas Maciel e Karina Dias). Em ambas as comissões havia a operação de drones para tais efeitos combinados à potente expressividade corporal de bailarinos.

Imagem 2: Arte da Rio Carnaval em que se pode observar a holografia diante da representação escultórica do líder quilombola Reis Malunguinho. Fonte: Rio Carnaval.

Em muitas oportunidades, a simplicidade dispensa a tecnologia, em outras tantas ser simples é fazer uso não só equilibrado como metalinguístico, para analisar, por exemplo, o uso (excessivo) da máquina pelo (pós-)humano. Nesse caminho, a comissão de frente da Mocidade trouxe representação distópica da relação atual entre humanos e dispositivos tecnológicos. A figuração minimalista de um humanóide gigante manipulado (feito a "super-marionete", projetada no começo do século XX por Gordon Craig, como o ator ideal, perfeito e racionalizado) por integrantes da comissão era, a um só tempo, expressão de "Criador e criatura" (referência a desfile marcante do mesmo carnavalesco Renato Lage) e de como esses papéis podem se inverter por meio dos avanços da inteligência artificial.

O desafio da escola de samba é usar da técnica sem perder a "aura", a autenticidade, como diria o filósofo Walter Benjamin. A experiência da escola de samba, que é fenômeno que nos restitui a percepção de nossa presença, de nossa existência encarnada, do congraçamento coletivo e da catarse. A nossa tragédia. A nossa comédia. A nossa ópera.

Os mais variados teatros (dos oficiais aos marginalizados) normalmente demandam e produzem técnica para tornar seus conteúdos possíveis. A produção do encantamento demanda técnica. Os desfiles nos provam isso a cada ano com suas equipes de projetistas, engenheiros e demais técnicos que tornam palpáveis ideias e sensações artísticas.

Mesmo quando assentada de modo fundamental no corpo – o corpo que samba! - a expressão requer e desenvolve um saber, ciência. No desencanto da sociedade capitalista pós-industrial, as ESCOLAS de samba nos ensinam que o fabrico do encantamento engendra mistério e razão.

Polêmica e teatro

 

Protagonista daquela que foi, talvez, a maior polêmica do carnaval – desdobrando o debate sobre a presença, para determinadas pessoas, ostensiva de enredos afro ou sobre negritude –, o que se pode afirmar do carnavalesco da Vila Isabel, do ponto de vista artístico, é que ele foi na Avenida um Paulo Barros em estado puro.

Assistimos a recursos que, embora já conhecidos do carnavalesco, demonstraram neste ano combinação feliz com uma Vila leve e brincante – Vila que, de modo curioso, tem histórico e perícia em enredos-afro marcantes, como Kizomba, festa da raça. A questão que fica para mim é de talvez uma difícil compatibilidade entre carnavalesco e escola. Entretanto, dialogando com ícones da cultura de massa e do cinema hollywoodiano, efeitos "barrianos" como cadafalsos que se abrem e fecham, revelando e escondendo integrantes; elementos humanos complementando, formando e informando alegorias por meio de sua presença e movimentos estiveram atuantes. Exemplo disso foi a representação do mar e seus seres marinhos em uma das alegorias. O arranjo da direção musical com constantes desenhos de sanfona causou também efeito singular e curioso ao desfile.

Mesmo sempre questionado por seu descolamento de um ideal mais tradicional de escola de samba, o fato é que Paulo Barros, naquilo que sabe e gosta de fazer, tende a carnavalizar e parece ainda encontrar um espaço para si e para o seu público.

Cabe dizer que a polêmica gerada pela fala de Barros é complexa, atravessada por equívocos e precisa ser refletida com muitas nuances. Vale um texto exclusivo, o que não é o foco deste que você lê agora.

   

Metalinguagem e "falar de si"

 

As duas escolas mais tradicionais e mais famosas, Mangueira e Portela, uma por conteúdo e outra por forma, trouxeram elementos que falam sobre a própria escola de samba, o que, aliás, as agremiações fazem bem – e isso não é uma crítica nem ironia; é político e identitário falar de si.

O paulista Sidney França propôs enredo cariocentrado ao abordar a presença física e simbólica bantu na constituição do Rio de Janeiro – e do Brasil. Abordar os bantus (maior parte das levas de africanos e africanas escravizados para o país), que foram objetificados e mortificados "à flor da terra" (referência aos inúmeros cadáveres que ficavam expostos no "cemitério"/depósito de escravizados), sobretudo nos arredores do cais do Valongo (a "Pequena África"), é abordar a própria essência das escolas de samba, cujo termo "samba" e sua ancestralidade provém do grupo etno-linguístico bantu e deriva do termo quimbundo "semba" (umbigada).

Imagem 3: Representação de "cria" da Mangueira triunfando na Sapucaí. 

Fonte: @leoqueirozfoto para Rio Carnaval (@riocarnaval).

Portela, proposta por André Rodrigues e Antônio Gonzaga, encontrou o seu garbo, altivez e tradicionalismo característicos na homenagem ao compositor e cantor Milton Nascimento, nascido no Rio mas esculpido (em corpo e voz) entre as montanhas de Minas, entre toda a tradição do Barroco mineiro, crenças e formas religiosas (de oratórios, altares, andores, porta-estandartes) assim como dramas populares (como congados e demais procissões afro-católicas). O que é uma escola de samba senão uma procissão de base negra de feições sagradas e profanas?

 

Passarela como terreiro

 

No carnaval das (doze) apresentações divididas em três noites (mudança justificada pela organização para uma iluminação por igual a todas as apresentações), prosseguimento ao uso de iluminação específica para cada desfile e ampliação do tempo de desfile de 70 para 80 minutos por escola, tripés alegóricos foram reafirmados como palcos das comissões de frente, sob diversos modos, demonstrando possivelmente uma busca de uso mais intensivo e espacializado da iluminação, elevação da altura em relação às arquibancadas e recursos/soluções cênicas por meio de sua estrutura interna e externa, além de variação das possibilidades narrativas entre baixo/chão e alto/tripé.

     A coreografia dos casais de mestre-sala e porta-bandeira também seguiram buscando adequação de movimentos aos enredos, como nos últimos anos. A mim me chamou a atenção a assimilação de elementos coreográficos do carimbó pela dança do primeiro casal da Grande Rio (Daniel Werneck e Taciana Couto). Que dança vigorosa e criativa.

      Este texto não tem a finalidade de abordar elementos de todas as escolas, mas de destacar momentos ligados, sobretudo, aos aspectos teatrais, cênicos e performáticos da edição de 2025 dos desfiles das escolas de samba do Grupo Especial (RJ), que se destacaram aos olhos deste pesquisador, de onde este os podia observar. Sempre faltarão momentos e mesmo escolas citados em um texto como esse.

Cabe não esquecer que enredos e momentos como do desfile sobre Xica Manicongo (assinado por Jack Vasconcelos), a primeira travesti do Brasil documentada, são históricos, tanto pelo ineditismo quanto pela relevância da causa social em país que mais mata pessoas trans no mundo, além da intensidade performática e dramática apresentada já na comissão de frente. Além do mais, se escolas de samba são espaços plurais, que acolhem em seus espaços o negro, a mulher, a comunidade LGBTQIA+, é preciso que suas temáticas façam o mesmo. 

Na teatralidade ancestral e ritual da escola de samba, em ano de particular e ainda mais intensa presença da temática religiosa afro, agremiações reafirmaram o encantamento das cosmopercepções afrodiaspóricas, que faz de cada desfile um grande terreiro, como a comissão de frente da Beija-Flor (desenvolvida por Jorge Teixeira e Saulo Finelon, coreógrafos, e Veronica Valle, designer) exemplificou para representar o diretor de carnaval Laíla (Luiz Fernando Ribeiro do Carmo, 1943-2021), um sinônimo de escola de samba. E no mesmo ano da despedida do intérprete Neguinho da Beija-Flor. Ou seja, no carnaval 2025 não faltou emoção.

Imagem 4: Representação de Laíla no desfile da Beija-Flor. Fonte: Alex Ferro / Riotur.

Termino lembrando do que disse um griot: "quando não souber para onde ir, lembre-se de onde veio". A mim me parece que foi mais ou menos isso que as escolas procuraram fazer neste ano. Com a diferença de que elas hoje sabem muito mais para onde pretendem ir do que alguns anos atrás.

Izak Dahora

Imagem 5: Visão da Marquês de Sapucaí. Fonte: Rio Carnaval.

*Desfilaram no Grupo Especial de 2025 (RJ) as escolas Unidos de Padre Miguel, Imperatriz Leopoldinense, Viradouro, Mangueira, Unidos da Tijuca, Beija-flor, Salgueiro, Vila Isabel, Mocidade Independente de Padre Miguel, Paraíso do Tuiuti, Grande Rio e Portela

*Esta publicação não tem fins comerciais.

Referências:

BENJAMIN, Walter. Magia e técnica, arte e política. Tradução: Sergio Paulo Rouanet. São Paulo: Editora Brasiliense, 1985. 

O carnaval pra mim - um desfile de personagens e memórias.

Fui criança durante os anos 1990 e aprendi a gostar de escola de samba assistindo e ouvindo os comentários nas transmissões de TV feitos por figuras como Albino Pinheiro, Leci Brandão, Mauro Monteiro, Maria Augusta, Haroldo Costa, Fernando Pamplona. “Essa gente do carnaval” e de muita bagagem cultural ajudou a moldar as minhas preferências não só culturais como também estéticas. Lembro do Fernando Vanucci narrando os desfiles (aliás, “alô você?!”, por onde anda?); recordo das muitas vitórias de Imperatriz e Mocidade daqueles anos através da sua narração.

Por falar em Imperatriz, esta participou da modelagem do meu gosto, digamos assim. Os enredos assinados por Rosa Magalhães para a escola de Ramos me fizeram perceber de forma ainda bastante intuitiva que cada desfile é uma narrativa, um manancial de conhecimento e cultura, portanto coisa muito “séria”, ao contrário do que muitos ainda tentam afirmar, ao tratar a manifestação das escolas como algo folclórico, no sentido pejorativo do termo. Dona de uma vasta formação acadêmica (Belas Artes-UFRJ e cenografia-UNI-Rio), Rosa, filha de intelectuais (seu pai Raimundo Magalhães Júnior foi integrante do júri do primeiro desfiles oficial das escolas de samba em 1932), demonstrava através de seus desfiles (verdadeiros achados sobre a história do Brasil) nossa potência nacional de cruzamento entre o “popular” e o “erudito” que decorre da configuração mestiça ou híbrida de nossa gente, habitante dessa “Nova Roma”, como chamava o Professor Darcy Ribeiro – idealizador do “sambódromo”.  

Creio que em boa parte por causa/”culpa” da Rosa, minha imaginação já  ultra fértil de filho único rumava em definitivo e sem regresso ou medidas para o interesse pelas artes, pela interação entre diferentes formas artísticas em simultâneo, pela leitura como base essencial de toda criação e pela fé na pesquisa como alimento vital para a renovação do artista – só poderia mesmo vir a fazer um mestrado tendo como objeto os desfiles das escolas de samba - e sua teatralidade -, concluído em 2014.

Enredos como “Catarina de Médicis na corte dos tupinambôs e tabajeres” (1994), “Mais vale um jegue que me carregue do que um camêlo que me derrube, lá no Ceará...” (1995); “(...) Leopoldina, imperatriz do Brasil” ou “João e Marias” (2008), só para citar alguns, me ensinaram a ter mais consciência e até mais orgulho do Brasil, a  respeitar e amar os índios, ou a entender nossas misérias mais profundas, assim como admirar as escolas de um modo geral. Um enredo como “Áfricas, do berço real à corte brasiliana”, da Beija-Flor (2007) me faz, a cada vez que lembro, ser mais negro por me permitir enxergar a luta e a beleza do povo de África que foi aqui escravizado e tão estigmatizado. Os enredos que menciono geraram sambas marcantes.

Indelével na memória é o  “Explode coração, na maior felicidade...” do enredo “Peguei um Ita no norte”, Salgueiro (1993), que na época me deixou fascinado pela escola. Revejo agora as bandeirinhas tremulando já no setor 1 da Avenida, diante daquela passagem arrebatadora, em um ano em que o samba (fácil e saboroso) impulsionou um enredo que não era apontado como favorito.  Guardo imagens da transmissão daquele desfile ainda nas retinas e, mais uma vez, a TV, elemento forte na minha geração, mostrou-se importante mediando e tornando possível o encontro de boa parte dos novos amantes do carnaval com as escolas. O encanto por aquele tipo de desfile leve, maneiro e com um espírito bem carioca, em função especialmente pela voz do Quinho, intérprete que marcou época na escola (e desapareceu!), tornou-se convicção, quando anos mais tarde, nas minhas leituras fissuradas sobre história do carnaval, descobri que o "Sal" ("nem melhor, nem pior, apenas uma escola diferente") fora o responsável nos anos 1960 pela consolidação do encontro entre artistas de formação acadêmica e os artistas do morro e dos barracões. Fernando Pamplona e Arlindo Rodrigues foram os mestres em um “laboratório” estético por onde passaram discípulos "de futuro": Rosa, Max Lopes, Joãozinho – o Trinta! -, Maria Augusta, Lícia Lacerda... No momento em que tomei consciência disso, um mundo tornou-se possível e irresistível para mim tamanha a quantidade de estímulos que esse modelo de carnaval proporciona: a começar pela junção entre alegria e conhecimento, erudição e brincadeira, zona norte e zona sul, em uma dinâmica que vai além e quebra paradigmas e dicotomias, pois quem ousa dizer que não pode haver sofisticação cognitiva, por exemplo, em um corpo que se mantém em equilíbrio e em plena fruição do domínio rítmico no ato de sambar?
Em meus delírios carnavalescos mais profundos, ouço uma orquestra de violinos e repiques e surdos e tamborins...

Fecho os olhos. “Big Bang” do J. Trinta na Viradouro (1997), com uma entrada toda escura na Avenida; a Mocidade high-tech (dos néons, das formas vazadas e das trupes circenses nas alegorias criadas por Renato Lage, como em “Criador e criatura, de 1996, que trazia ainda a voz poderosa de um iniciante Wander Pires cantando “a mão que faz a bomba, faz o samba/Deus faz gente bamba”; o “Chico Buarque da Mangueira” (1998), ovacionado pelo público; os sambas da Portela sobre Olinda (97) ou o seu “gosto que me enrosco” (95) na voz do Rixa (cadê o Rixxah? Que voz!); alguns sambas da Ilha (como a homenagem a Pièrre Verger, em 98, e a Barbosa Lima Sobrinho, em 99), outros da Grande Rio; a Vila me ensinando Revolução Francesa antes do colégio, em 98, e na voz do Gera (sempre de óculos escuros, muito bom puxador!);  as coreografias clássicas do Fábio de Melo para a Imperatriz da fase Rosa Magalhães ou as primeiras feitas por Carlinhos de Jesus para a Mangueira, com bastante malandragem; a mitologia e o lirismo do “Orfeu” da Viradouro (98); a fase do Dominguinhos na mesma escola de Niterói, cantando muito; na Mangueira, o sorriso e a voz rouca de Dona Zica e a candura de Dona Neuma; o mau-humor engraçado e o peso da interpretação de Jamelão, o maior dos intérpretes; “O dono da terra” da Tijuca (1999), enredo desenvolvido por Osvaldo Jardim e samba entoado pela aguda voz de David do Pandeiro (cadê ele?); o crescimento da Porto da Pedra, fazendo meta-carnaval ao falar dos carnavais pelo mundo (96) e chegando nas campeãs, ao tematizar a loucura (97); a irreverência do “bar do Sargenteli”, repleto de mulatas(!), nas coberturas da extinta TV Manchete narradas pelo Paulo Stein... Muitos carnavais... Tô ficando velho...

Abro os olhos. Um repertório infindo de lembranças, imagens, sensações e descobertas que as escolas me proporcionaram...

Abre-alas do Acadêmicos do Salgueiro (1993). Enredo assinado por Mario Borrielo.

Fonte: www.quintaldosamba.com

E assim venho eu, tendo o carnaval como sinônimo de escola de samba, e vice-versa. Respeito quem curte ouvir rock, ou axé, ou, peremptoriamente, viajar para fugir da cidade nos dias de Momo, mas folia pra mim é escola de samba e no Rio de Janeiro.

Confesso que tenho um pouco de preguiça para as grandes aglomerações dos blocos, ainda que os ensaios de quadra não sejam muito menos intensos no corpo a corpo e isto seja muito saudável. Reconheço o protagonismo que os blocos concedem ao folião, que pode elaborar o próprio discurso e a própria fantasia, e com bem menos gastos, mas sou  mais afeito à organização operística das escolas, que gera uma experiência estética singular na folia daqui e de alhures: nossa maior manifestação artística tem caráter popular! Dá-se no carnaval, a céu aberto!

Comecei a contemplar as escolas junto ao portão da vila onde morava em São Gonçalo. Por entre o gradeado, via os componentes da Porto da Pedra, carregando suas fantasias em direção aos ônibus que os levariam de São Gonçalo à Marquês de Sapucaí, vencendo a distância da Ponte Rio-Niterói. À noite, veria todo mundo pulando e brilhando de alegria e suor pela TV. Minha paixão pelo carnaval e pelas escolas começou lá, no bairro homônimo àquela escola e em tenra idade, desse modo. Tempos depois, eu me converteria em desfilante apaixonado e protagonista desse desejo e dessa paixão, não sendo mais um mero espectador.
(Poucos prazeres são pra mim tão singulares quanto poder caminhar na Avenida Presidente Vargas com a maior tranquilidade nos dias de desfiles e sem a menor preocupação com trânsito. Viva a suspensão e a inversão carnavalescas sobre a ordem cotidiana!).

A propósito ainda das minhas circunstâncias carnavalescas primeiras, não posso deixar de registrar: nasci em fevereiro, normalmente cumpro meus anos em dias de foila, senão em dias próximos. Minha mãe conta que quando seguiu para a mesa de parto, ainda um pouquinho tonta por conta de algumas Malzbier(s) que apreciava nos dias de carnaval, o obstreta falou: “Logo hoje?! Mal acabei de sair do desfile da Portela!” Pois é. Era eu querendo sair e pular o carnaval! Nascia eu no ano de "Kizomba, a festa da raça", da Vila Isabel, em 1988! Salve Zumbi, salve a Vila, salve Martinho!

Voltando ao lado mais intelectualizado da festa, nos pensadores e artistas que ajudaram a fabular e a forjar nossa cultura a partir de dados concretos de nossos hábitos, como os modernistas Osvald de Andrad e Di Cavalcanti ou o tropicalista Hélio Oiticica, o carnaval e o samba, junto de demais festas de congraçamento popular, são manifestações de fundamental importância na cimentação de nossa identidade, e revelam traços de nosso comportamento diário (nossa potência, nossas tensões, nossas mazelas, nossos preconceitos). Na brincadeira carnavalesca, tudo nosso se mostra com mais facilidade.

Os desfiles das escolas, a despeito de todas as contradições atuais  que a conduzem a um certo esvaziamento enquanto modalidade carnavalesca (como a elevada comercialização do "evento" que impede ou dificulta os próprios fazedores da festa de adentrarem o espaço da festa), continuam representativos, totalizantes (seja culturalmente, em sua rica abordagem de diversos temas que dizem respeito às diversas faces culturais do país, e não só da história social do samba; seja do ponto de vista artístico, com a utilização de todas as inúmeras formas de arte possíveis para a realização e o desenvolvimento, com grandiosidade, de cada enredo na Avenida.

Nietzsche e Wagner trataram do popular como um reservatório de forças e impulsos espontâneos de que a sociedade moderna se divorciou, apostando em uma relação racionalista e arbitrária com a cultura. Retornar àquelas forças seria vital para a renovação da arte e da cultura modernas, pautadas por valores comerciais e interesses pessoais, segundo aqueles pensadores alemães. No carnaval, renovo minhas forças de criatividade e alegria junto aos que encontram nesse período oportunidade potencializada de extravasamento desses impulsos autênticos, dessa ânsia e dessa fome de expressão (necessariamente coletiva) que me parece ser uma condição do incontrolável do humano.   

O carnaval das escolas, pra mim, essa arte do samba que evolui em avenida - sonhada um dia por Ismael e que tanto cresceu -, com o seu ritmo desconcertante (o samba) e com o sensualismo de sua profusão de formas e linguagens artísticas e tecnológicas seduz a minha imaginação desde sempre.

100 anos de um artista genial!

Já escrevi por aqui que flerto de modo contumaz com o passado. Escrevi isso ao narrar minhas lembranças do Carlos Manga, que partiu recentemente, figura que, aliás, dirigiu grandes sucessos do meu homenageado deste texto, Grande Otelo.

Mas minha referência a Otelo como alguém do passado é tão-só porque ele, quando nasci, viveria apenas cinco anos mais. Apenas por isso. Passei toda minha infância ouvindo memórias de infância do meu pai (principalmente) e da minha mãe sobre suas atuações em shows e em programas de TV. No início da adolescência, contudo, e felizmente, eu mergulharia de vez na obra desse grande artista. E viva o Canal Brasil, que com seu acervo, deu-me a possibilidade de assistir a Otelo ao lado de Oscarito nas "chanchadas" da Atlântida e muitos filmes mais. Otelo trabalhou em outras daquelas produtoras da época, como a Herbert Richers, onde fez, dentre outros trabalhos, "Um candango na Belacap", que é um dos meus filmes prediletos com o ator, filme do querido Roberto Farias (por quem também fui dirigido, assim como por Manga. Que sorte eu tenho!). Neste filme do início da década de 1960 (fase derradeira das chanchadas) e que tem a construção de Brasília como pano de fundo, Otelo está impagável, maduro e pleno de seus recursos. Seu número com a uruguaia Marina Marcel sobre "preto com loira" é formidável! Uma eficiente e divertida parceria de Otelo com o  e acrobático Ankito. Otelo estrelou muitos filmes e efetivou nas telonas um esquematismo da comédia (no teatro e no próprio cinema): as duplas. Oscarito, Ankito e também  Ronald Golias foram seus parceiros, com destaque inigualável para o primeiro.  

Eu descobria Otelo e o queria ver mais e mais na tela do Canal Brasil como quem é fã e contemporâneo de um determinado artista. Por isso não faz mesmo sentido considerá-lo alguém do passado: a referência de Otelo me é fundamental, fui (e sou) nutrido por aquele artista múltiplo e de uma possibilidade  ímpar em cena: para além de cômico, foi um especial ator dramático, como em "Rio Zona Norte", de Nelson Pereira dos Santos, drama modelar de um sambista do morro, talentoso e pobre explorado pelo sistema; maleável e com a experiência do subestimado teatro de revista deslocava-se em cena com a agilidade de um dançarino (que era); cantava; compunha ("Vão acabar com a Praça Onze", parceria com Herivelto Martins); e em "Assalto ao trem pagador", outro filme do já mencionado Roberto Farias, um clássico do cinema brasileiro, atual até o presente 2015, e no qual há uma cena que me emociona toda vez a que assisto - quando o personagem de Otelo, um morador do morro, integrante da facção criminosa que rouba o trem pagador, fala sobre a miséria de quando se morre uma criança no morro. Aquilo é de chorar e sai da boca de um ator tragicômico interpretando um bêbado embriagado de lucidez e de olhos comovedoramente esbugalhados.

Ao longo da adoslescência fui caminhando no teatro e conhecendo a história do Otelo dos palcos, figura importante no teatro de revista e no entretenimento, no show-business; da Companhia Negra de Revistas do empreendedor Jardel Jércolis ao lendário cassino da Urca. Um artista múltiplo  (que cantava óperas, financiado pela tutora, na infância, e escrevia poemas) e que foi o primeiro negro de grande reconhecimento popular neste país.


Também havia o preconceito de cor que tanto sofreu nos vários lugares onde brilhou...Mas sobre isso não escreverei aqui. Nem de seus problemas pessoais. Quero brindar à vida e a presença de Otelo na história do teatro, da TV, do cinema e do meu imaginário.
Quero brindar a Otelo em "Macunaíma", que segundo uma sintética e sensível versão do próprio - um intelectual - e em entrevista não me lembro para quem,  representava uma espécie de elo entre a chanchada e o cinema novo, dois grandes momentos do cinema brasileiro - por motivos opostos, e que, por ideologia e certo preconceito, não poderiam aproximar-se um do outro, na visão de muitos, mas que Joaquim Pedro de Andrade soube combinar, vendo na obra de Mário de Andrade, prospectada no Brasil profundo, um material que revela nosso espírito e vadio irreverente de país tropical e nossas mazelas e incoerências de povo colonizado.
Quero brindar a Otelo respeitado por Orson Welles, que disse que nosso Great Otelo (seu nome foi criado por Jardel Jércolis) era o melhor ator do mundo.
Voltando mais no tempo, quero fazer uma libação a Otelo em "Matar ou correr", "Dupla do barulho", até o Seu Eustáquio da "Escolinha do Professor Raimundo", programa da minha infância, em que Otelo não tinha um papel da sua estatura artística, mas que, de forma nostálgica, era como homenagem ao seu talento e verve pueril com aquelas caretas de antigas peças e filmes "Aqui! Qüi queres?").


Apesar do Brasil ser um país não muito afeito à memória do seus grandes nomes, o nome desse artista resiste, como no texto deste fã que se tornou artista tendo-o como ícone. Resiste, apesar dos pesares, como o estado de precariedade do teatro que leva seu nome em Uberlândia (antiga Uberabinha), sua cidade natal.          
         
Otelo é referência Artista que reunia as grandes "escolas" na fomação de ser de palco no Brasil e em qualquer lugar: o circo, o teatro, o cinema. Um dos maiores artista brasileiros do século XX.
Falar de Otelo é falar sobre o meu presente porque é das referências permanentes. Quando eu fazia o meu Saci, lá no Sítio do Picapau Amarelo, pensava muito nele!
Neste mês de outubro, no dia 18 de outubro, Grande Otelo, se vivo estivesse, faria 100 anos. Mas, com todo o seu legado, quem disse que ele não está entre nós! 

Na turnê de "Contra o vento", uma experiência de Amizade com o público de BH

Como atores, somos canais de ideias, sensações, energias, emoções.

Afinamos nosso instrumento para chegar até as pessoas num jogo, o do teatro, que é concreto, físico, mas cujas consequências e ressonâncias são da ordem do intangível, do imensurável. Participamos de uma comunhão que se renova a cada dia/noite e, por mais que tenhamos a responsabilidade sobre uma partitura ou estrutura cênica (exaustivamente ensaiada) que devemos sempre introduzir, encaminhar e sustentar, precisamos do público para a sua efetiva realização e seu aprimoramento constante. Sem o retorno imediato do dele, não sabemos qual o exato alcance das propostas que idealizamos ou de que somos intérpretes.

Domingo, dia 27/9, tive a oportunidade de participar, junto do diretor (Felipe Vidal) e dos meus colegas atores do espetáculo "Contra o vento - um musicaos", de um bate-papo com estudantes de teatro do Colégio Pedro II, de Belo Horizonte. Fomos conhecer parte do público que nos assistiu na terceira temporada da peça, em cartaz em Minas Gerais durante o mês de setembro. E fomos surpreendidos, em um domingo à tarde, de imenso calor, por uma turma igualmente aquecida, generosa e interessada.

Os estudantes em questão integram o ''Palavra Viva'', grupo dedicado à prática do teatro e que interage com propostas locais de contrapartidas sociais e formação de novas plateias promovidas pelas produções teatrais. Neste caso, fomos apresentados ao "Palavra" pela produtora Maria Mourão, integrante e também atriz do coletivo belo-horizontino 4Los5, com quem trabalhamos durante a temporada mineira de "Contra o vento". 

O condutor e professor do grupo, que chama Róbson Vieira, uma figura doce e disciplinadora, é como que saído daquelas narrativas legítimas de um romance de formação: sujeito simples, de cabelos compridos amarrados, denunciando que por ali já esteve (e continua existindo) alguém movido por idealismos, ser portador de fala mansa e firme, e de um imenso respeito pelo próximo e pelo saber. Um educador e humanista. Um professor daqueles que influenciam nossas escolhas, marcando nossa juventude e de quem costumamos lembrar para toda vida. Antes de entrarmos em sala, pudemos perceber o seu pedido de silêncio e a exortação a que os alunos nos recebessem com palmas - efusivas, afetivas e hospitaleiras palmas.
Robson abriu aquele encontro apresentando para nós o conceito e o sentido do teatro para o grupo com duas palavras que muito me tocaram: a "amizade", norteadora do princípio ético de convivência por eles mantido em sua "travessia". Ouvi-lo falar me deixou fascinado, pois com aquelas duas palavras emoldurou, a meu ver, uma imagem ideal e possível do teatro: um lugar onde nos reunimos por afinidades (do grego philia), dando-nos um sentido de pertencimento no mundo capaz de nos manter na luta constante pelos nossos sonhos (que, ansiados coletivamente, tornam-se ainda mais poderosos e possíveis), e num entendimento da vida como um caminho, ou "Travessia", a ser percorrido - Róbson, como um bom mineiro, fez uso, coincidentemente ou não, de termo consagrado na literatura brasileira pelo mineiro de Cordisburgo Guimarães Rosa, no seu "Grande sertão: veredas".

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Um rápida digressão.
O sentido ético que nutre o "Palavra Viva" cristalizado na amizade, incitado por seu professor, fez-me lembrar de Giorgio Agambem, filósofo italiano que no livro "O que é o contemporâneo?" resgata o sentido de filosofia no tempo dos antigos. Explica ele que na Grécia pensamento e amizade eram valores estreitos, relação presumida. A própria filosofia, em sua etmologia, contém a amizade (filo=afinidade ou amizade + sofia=saber). Ou seja, a construção do conhecimento chamava a prática coletiva, amistosa, e vice-versa.
A este pensamento fui instado pelas palavras generosas do professor Robson. Que positividade para o mundo vermos estética e ética andando de mãos dadas! Todo o saber teórico e sensível do teatro fustigado pela amizade.
Aliás, que coincidência, tive na minha adolescência um professor Robson (Almeida) que todo dia batia na porta da sala de aula para dizer coisas como "Trate as pessoas como gostaria de ser tratado", dentre outras, chamando-nos sempre, a mim e meus colegas e amigos, para irmos além de usarmos o ambiente da escola como lugar de saber científico apenas. O lugar do saber precisava, na visão dele, ser um espaço de sensibilização do humano.

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Pudemos perceber, meus colegas de elenco e eu, durante a conversa, o casamento entre a força do nosso espetáculo (cujo tema é a Tropicália, sob a perspectiva do Solar da Fossa, reduto atrator de jovens de ideias e comportamento transformadores nos anos 1960) e o ímpeto juvenil daqueles estudantes. Afinal, os tempos transcorrem mas a juventude parece mesmo estar sempre mais próxima dos sonhos, das descobertas, das diferentes formas de expansão das consciências e das revoluções.
Suas perguntas ajudaram-nos a esclarecer questões do próprio espetáculo, revelaram a percepção aguda para detalhes da representação, como o apontamento da música, da nudez e da fragmentação como potências definidoras do espetáculo. Fomos lidos por eles, jovens espectadores atentos que já haviam debatido as questões da peça em sala de aula durante a semana. Vários deles assistiram à peça diversas vezes.
Como ator, professor e pesquisador, fui pensando, ao vê-los, na importância dos caminhos da arte-educação. Em outro encontro com o público de BH, um frei (!) de Betim, que nos assistiu (também mais de uma vez, disse-nos preferir estudar a filosofia e a teologia através da representação de peças a ter que acessá-las por meio da gravidade e do silêncio que a experiencia dos livros pode comportar - ainda mais dentro do ambiente de contrição de um monastério.
O teatro, com o sensualismo que lhe é defindor (meio da ação, da palavra, do som, do visual...), toma-nos de assalto a sensibilidade, colocando-nos num jogo de interatividade e reflexão (epidérmica, emocional e intelectual). Mas há que se estar disposto para jogá-lo, pois, como já dizia o diretor polonês Tadeusz Kantor, "é impossível passar impune pelo teatro". É preciso coração e mente abertos!
Ao fim do encontro, quando os estudantes demonstraram sua expressividade através de músicas de sua própria autoria, movimentos coreografados e interpretação de textos (que me pareceram poemas), ficaram claros os efeitos de um trabalho continuado de formação ética e estética por meio da arte e, especialmente, do teatro, esta arte socializante por natureza. Seus versos eram como palavras de ordem, incitando a coragem, a determinação e a ousadia nos quais transpareciam a paixão pela arte e pelo teatro.                                            

Fazer teatro, de fato, é uma construção coletiva, um exercício de escuta (não só pelos que frequentam a cena, mas no jogo firmado entre palco e plateia), que  exige treino e reflexão - inclusive pelo público. Por isso, vejo que a assiduidade, a seriedade e o prazer com que o pessoal do "Palavra Viva" encara o teatro deverá conduzi-lo a ser um grande público de teatro - como precisamos disso! -, formado por cidadãos conscientes, sensibilidades porosas e, por que não, futuros atores, produtores e diretores. Ficarei muito feliz em vê-los com seu grupo no futuro, confirmando o ofÍcio e uma vocação.

A apresentação apaixonada  e emocionante feita por eles para nós, ao fim do encontro reafirmaram que a palavra poética e a música são poderosas armas - ainda mais quando reunidas. E assim eles portavam seus violões, versos, sorrisos e brilhos nos olhos.
"Inconfidentes" nas emoções encarnadas e vivas em palavras - imagino que o espírito mineiro deve ter-se feito presente -, transbordaram encantamento, fazendo-nos ter mais motivação para o nosso trabalho. Suspeito até que eles nos tenham surpreendido mais do que nós a eles.

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Escrever sobre arte, juventude, amizade, viagem, travessia e mineiros só poderia me fazer desaguar no Clube da Esquina:

"Porque se chamava moço

Também se chamava estrada
Viagem de ventania
(...)

Porque se chamava homem
Também se chamavam sonhos
E sonhos não envelhecem
(...)"

Crise!

Crise têm sido uma das palavras mais repetidas no noticiário (nacional e internacional) ultimamente. Seja na política, seja na economia, seja na ecologia ou no clima, há constatações de desequilíbrios, descasos, ilícitos e similares que vaticinam perspectivas pessimistas.

Contudo, creio que períodos de crise são sempre períodos e há neles sempre a possibilidade de grandes guinadas rumo ao seu contrário.

A arte, aliás, faz-se muito dos momentos de dificuldade. Nosso estado de atenção às coisas e nossa criatividade tornam-se mais simples e latentes. A estabilidade e o sossego não fazem, definitivamente, parte do artista, ser cuja sensibilidade treinada de modo intenso e exaustivo o leva, não raro, às "vanguardas" de seu tempo, seja este qual for. 

Lembro agora dos versos abaixo que escrevi em 2008, postado aqui mesmo em setembro daquele ano - exatos sete anos e cinco dias. Resolvi recompartilhá-los e, de alguma forma, revisitar o Izak que os escreveu.

Hoje vejo que a minha experiência de ator, nas salas de ensaio e de aula (ainda na graduação, naqueles anos, de inquietudes à busca da melhor expressão interior e corporal para cada personagem, incidiram bastante na motivação dessa escrita.




Me coloco permanente no lugar da crise
Porque só dela é que posso sair algo novo.
Por isso acho sempre que não acho
Para ver se me acho
Aonde saberei que não sabia.
Filosofia.
É me achando vazio que
intuitivamente, mais que em movimento, ajo
e já, tão logo, de repente,
me descubro de algo novo preenchido.


(Izak Dahora)

A 'obra de arte total' do carnaval: multiplicidade artística e hibridação nos desfiles contemporâneos das escolas de samba"

Há praticamente um ano defendia minha dissertação de mestrado, intitulada “A 'obra de arte total’ do carnaval: multiplicidade artística e hibridação nos desfiles contemporâneos das escolas de samba".

Quem acompanha, mesmo sem maior interesse, os desfiles em questão, percebe a grandiosidade e a abundância de elementos artísticos hoje envolvidos nessa manifestação que têm sido reconhecida contemporaneamente, por leigos e estudiosos, como espetáculo.

Música, artes plásticas, teatro, dança, vídeo, performance, arquitetura (da própria configuração espacial total do “sambódromo”) e toda sorte de formas possíveis - que vão das formas de artesanato da cultura popular e materiais plásticos (muitos destes reciclados), passando por intervenções circenses, até à pirotecnia de linguagens tecnológicas de última geração – são assimiladas pelas escolas de samba. E é exatamente isso que faz com que cada desfile possa ser abordado não só como apresentação de contornos artísticos e teatralizados, bem como uma “arte total”, cujo funcionamento cada vez mais esmerado e orgânico entre suas partes, chega mesmo a aludir proposições estéticas ambiciosas da história do espetáculo, como o Gesamtkunstwerk (“obra de arte total” ou “obra de arte comum”), desenvolvido pelo compositor e diretor alemão Richard Wagner, à busca de uma restauração do sentido totalizante da arte trágica dos gregos, para ele deturpado pelo individualismo moderno e materializado na forma da ópera.

A comissão de frente da Vila Isabel (2009) mostra a minúcia da composição
teatral empregada nos desfiles em representação da Commedia dell'arte.Toda a dilatação gestual
e expressiva denota o quanto a forma dos desfiles aproximam-se da noção estética da ópera,
grandiosa e excessiva por natureza.
Fonte da imagem: extra.globo.com

Minha dissertação (cuja pesquisa ainda se desdobra) foi, então, antes de tudo uma proposta: de abordar, sob inspiração do conceito wagneriano, cada um dos desfiles como “obra de arte total” atual, brasileira e nossa; com especificidades de uma ópera popular que se dá fora do tradicional edifício teatral, ou seja, na rua, sob as hostilidades das intempéries possíveis e, ao mesmo tempo, sob as generosidades do “céu aberto” (em suas vastas possibilidades de encenação, instigando de modo frequente a ocupação do próprio espaço aéreo).    

Um dos paraquedistas que abriram o desfile da Portela (2015), evidenciando como as escolas investem em aparatos de elevada tecnologia ou de alto investimento financeiro, preenchendo o espaço aéreo (dentro das imensas dimensões do "sambódromo", de elevadas arquibancadas); e criando imagens de impacto, em conformidade com os tempos atuais de "sociedade do espetáculo" e com as "necessidades" da transmissão televisiva.
Fonte da imagem: carnaval.uol.com.br

Os desfiles formam uma manifestação artística e cultural que se beneficia - a meu ver, de modo, substancial – de nosso espaço-tempo da miscigenação étnica e cultural brasileira, que possibilita o encontro de referências artísticas tão diversas: a ancestralidade rítmica/percussiva de matriz negra; a sofisticação harmônica (musical e estética, como um todo) da cultura operística europeia; o sentido sempre tênue (e ainda presente) entre expressão artística autônoma e ritual religioso, afirmado por nossas tradições  ameríndias, afro-brasileiras e católicas, expressas em cânticos, representações, cortejos e danças dramáticas.

Estruturas da forma dos desfiles      

1)Em linhas gerais, entendamos a forma da arte total dos desfiles das escolas de samba a partir de um elemento básico da cultura popular: a procissão. É ao longo do cortejo que a teatralidade desse carnaval estrutura-se; e nesse curso todo um sentido narrativo e dramático é desenvolvido, reservando os mais diferentes quesitos (em suas potencialidades expressivas) para cada etapa do desfile. A aparição do último carro alegórico carrega sempre a função de clímax dentro do curso narrativo a partir do enredo; ou o próprio casal de mestre-sala e porta-bandeira (quando vêm depois da comissão-de-frente ou depois, à frente da bateria) lida, via de regra, com o emocional do público, seja pela distinção da sua dança (clássica), seja por ostentarem o pavilhão, símbolo maior de pertencimento à agremiação.    

A visão aérea mostra o caráter processional dos desfiles (isto é, que se desenvolve em diferentes etapas em cortejo).

Através da imagem observamos a distribuição da "arte total" do carnaval das escolas de samba, um apanhado

de diferentes formas, cores, texturas, volumes e também sons.

Fonte da imagem:  www.archdaily.com.br

2)Cada desfile faz-se do somatório de alas, setores e alegorias. Ou seja, trata-se de uma organização cujo princípio é a montagem de elementos diversos. E este termo, “montagem”, não é ocasional. Remonta as vanguardas estéticas do começo do século XX, período em que os desfiles das escolas foram plasmados (anos 1920), através de movimento da elite intelectual (representada por setores como a academia e a imprensa) que entenderam ser necessária a produção de uma nova imagem da identidade nacional, alicerçada agora na ideia da miscigenação étnica e cultural.

A tela "Samba"(1925), do pintor Di Cavalcanti, exemplifica como o olhar da elite intelectual passou
a enxergar de forma positiva e a valorizar os aspectos das culturas popular e negra
como elementos formadores da identidade brasileira com o advento
da visão modernista.
Fonte da imagem: www.olimpiadadehistoria.com.br

Os desfiles, deste modo, mesmo quando ainda não eram investidos de intenso vigor plástico (por opção ideológica que enaltecia a simplicidade folclórica e uma ideia de “tradição”), já prenunciava um sentido modernista de obra ao justapor elementos artísticos díspares, de modo análogo aos princípios de criação das vanguardas estéticas europeias, como a colagem cubista que “montava” imagens a partir de materiais de naturezas distintas (como areia, jornal, tinta etc no mesmo quadro), constituindo-se como um verdadeiro mosaico.   

3)São tantos os elementos e materiais envolvidos em cada desfile que não raro observam-se em sua forma tensões e aparentes contradições. Uma delas é a existente entre o sentido narrativo desenvolvido a partir do enredo (que tende a estabelecer sentido(s) comum(ns) de leitura) e o caráter alegórico, também fortemente presente na forma dos desfiles, e que aponta em sentido contrário à causalidade narrativa, ao irromper em uma só alegoria intensa dinamização sensorial e semântica na sua constituição híbrida que traz elementos já portadores de histórias, naturezas, vibrações.    

4)Dada a quantidade gigantesca de profissionais envolvidos na elaboração de cada desfile, surge a necessidade afirmar o caráter coletivo de criação (ainda que sob uma condução geral do carnavalesco) através da problematização do sentido de autoria.

Arte do futuro

Através do Gesamtkunstwerk, Wagner anunciava a “obra de arte do futuro”, sua feição e seu comportamento. Segundo o compositor, o futuro necessário da arte seria o da cooperação entre as potencialidades das formas artísticas, no que chamou de "ciranda das artes irmãs". Dentro desta perspectiva, cada arte deveria abdicar de sua condição individualizada para a geração de uma expressão artística de força inesgotável e capaz de revolucionar o humano através da sensibilidade e da experiência coletiva. Podemos ver no contemporâneo, uma possível efetivação dos, pelo menos em parte, dos ideais wagnerianos, uma vem que as artes hoje reconhecem seus limites e experimentam interfaces, diálogos, interdependências. 

Fiz neste texto um apontamento geral de minha dissertação trazendo algumas das questões que movimentaram a pesquisa. Que este breve apanhado possa estimular a leitura da dissertação em si e o aprofundamento dessas e de outras questões relativas à abordagem dos desfiles como demonstrações de arte total. Segue o link, abaixo: 

http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=7319

As escolas de samba afirmam o seu "barroquismo" (qualidade semelhante a das origens da ópera no século XVI) através de suas estruturas alegóricas (que tendem à própria fragmentação do discurso) tamanho o detalhamento formal (de altos e baixos, dobras, reentrâncias etc).
Fonte da imagem: oglobo.globo.com

O uso intensivo de tecnologias de última geração confirmam a inserção dos desfiles nas formas e nos discursos da contemporaneidade. No abre-alas do Salgueiro (2011), vemos a imagem de parte
da plateia projetada em um telão de led, demonstrando uma busca de (re)inserção do público
em um cada vez mais fechado sistema de representação.
Fonte da imagem: veja.abril.com.br

"Que horas ela volta?"

Assisti a "Que horas ela volta?" Um filme que merece ser visto porque fala muito de nós como país, cuja sociedade altamente estratificada teve historicamente a rígida definição dos espaços de uma elite e de uma não elite (delegada à "inferioridade" do trabalho propriamente dito), num jogo em que cada classe deveria saber os limites do "seu lugar". "Que horas ela volta?", quase despretensiosamente, com o humor e os afetos que nos ligam ("cordialmente") nessa sociedade de herança escravocrata, divisões, classismos e preconceitos, mostra também um Brasil contemporâneo, crivado ainda por estruturas coloniais da "casa grande e da senzala", mas que se renova em um quadro social mais dinâmico, de novos personagens ativos e possibilidades. Um filme indispensável.

Minhas memórias do Manga

Eu estava ansioso no dia em que iria conhecer o Manga. Devia ter uns dezoito anos, era meu sexto e último ano de "Sítio" e eu sabia da sua grandeza. Afinal, assisti do final da infância à adolescencia praticamente todos as "chanchadas" da Atlântida, muitas das mais bem-sucedidas delas dirigidas por Manga e estreladas por Oscarito e Grande Otelo. Na verdade, "chanchada" era uma forma pejorativa encontrada pela critica para rotular filmes despretensiosos esteticamente, de humor ligeiro e popular, e que muitas vezes serviam mesmo de base para lançamentos de músicas que seriam sensação no periodo carnavalesco. Havia uma forte influência do teatro de revista (gênero teatral popular) de bastante apelo musical.

As chanchadas eram tudo isso e divertiam por serem exatamente isso: um bom pedaço do modo de ser brasileiro mais simples e irreverente. Como sempre fui um ser curioso e que, por isso, aprendi a flertar com o passado, desbravava com encanto, através do Canal Brasil, os filmes não só da Atlântida bem como da Cinédia, da Herbert Richers e tambem da Vera Cruz (a mais seria de todas do inicio do nosso cinema, de produções épicas emuladas por Hollywood. Manga viria justamente para modernizar a chanchada, levando maior rigor técnico (inspirado no cinema americano) às produções daquele cinema ligeiro e popular. "Matar ou correr" e "O homem do Sputnik" são dois grandes exemplos disso, indo da paródia ao cinema americano (com o primeiro) ao argumento mais politizado (com o segundo), sem perder o humor calcado no carisma de Oscarito. Ambos os filmes são dos meus preferidos de todas as "chanchadas", junto a "Os dois Ladroes" e "Nem Sansão nem Dalila".
Minhas memórias do Manga iniciam-se, portanto, antes mesmo de conhece-lo pessoalmente.

Pois muito bem, era chegado o dia de conhecer o "Manga", figura mítica do nosso cinema, as pernas estavam bambas, e eu queria que ele soubesse de todo esse meu fascinio por aquela epoca e pelos filmes que dirigiu.

Foi quando entrou na sala do Projac, acompanhado de Federico Bonani, querido diretor de sua equipe que o apresentou para mim. Meus olhos brilharam; falei logo que era fã dos seus filmes estrelados pelo Oscarito, sabia que o comediante era uma figura importante na trajetória dele. Manga, emotivo e de frases de efeito, como sempre foi, apertou minha mao e arrematou:

- Oscarito era um gênio. O maior ator do mundo! - fiquei radiante; concordo com ele!

Dali, o trabalho seguiu, com núcleo do Manga e direção geral de outro querido, Ulysses Cruz. O "Sítio" estava sendo reestruturado pela emissora. Eram já quatro anos no ar e o programa ganhava uma nova direção de peso para reavivá-lo. Tim Rescala assumia a direção musical e a figurinista Luciana Buarque relia as roupas dos personagens sob uma leitura mais rural, mais simples.
Lembro de receber um elogio do Manga ao meu Saci, acho que numa festa organizada pela produção: "O seu olhão está bom, hein! Continua, continua!"
O programa ainda ganharia prêmio e eu veria o Manga todo bem vestido, como sempre em ocasiões especiais, na Casa Julieta de Serpa, no Flamengo, orgulhoso da láurea à obra de Monterio Lobato.
Quando a temporada e aqueles seis anos de "Sítio" chegaram ao fim, a necessidade de seguir trabalhando e a incerteza quanto ao que viria profissionalmente, me fizeram criar coragem e chegar a Manga e Ulysses para dizer: "Soube que irão fazer uma novela. Me levem! Preciso trabalhar!" Eu estava chegando aos dezoito, dezenove anos, e naquela altura, depois de muitos anos empregado e com uma idade, em que a maioria das pessoas começam efetivamente a trabalhar, eu não queria nem podia ficar parado.

A produção seguinte do Manga era a novela era "Eterna Magia" (2007), primeira obra solo da Elizabeth Jhin, trabalho que enfrentou rejeição do público ao tema da cultura celta e das valentinas. Ulysses queria que eu fizesse um padre, que teria uma historia de preconceito racial, algo assim, mas não fiquei com o papel pois a equipe de direção me achou jovem demais para o papel. De fato, eu era. Lembro do Vavá Torres, caracterizador, pondo um cavanhaque postiço para eu fazer um teste. Nao deu. Mas Manga e Ulysses, esses dois diretores importantes na minha vida, decidiram que eu faria outro papel na novela! Que alegria! Eu precisava mesmo nao parar de trabalhar, comecei cedo, dependia daquilo existencial e materialmente. Decidiram que eu faria um papel, só nao sabiam qual nem quando entraria no ar, devido, principalmente, aos ajustes que a novela sofreu no ar.

Os meses se passaram, via meus amigos em cena - Lara Rodrigues, Isabelle Drummond também recem saídas do "Sítio" atuando -, as pessoas perguntando quando eu entraria em cena, e eu não sabia o que dizer. Estava deprimido, de verdade. Recebia, mas nao trabalhava. Até o dia, um domingo melancólico em fim de tarde, em que Ulysses enviava um email avisando que tinha chegado a hora. A novela estava quase acabando. Brinco dizendo que entrei aos quarenta do segundo tempo. Beth Jhin tinha escrito um papel reunindo várias caracteristicas minhas, o que, apesar do tempo que fiquei esperando, me deixou muito honrado - Beth, aliás, é uma pessoa muito afetuosa, generosa, espiritualizada. Meu personagem, Tadeu, tocava violino, como eu! Era irmão do padre que, inicialmente, eu faria, e surgia na trama fugido do seminrio Calaça, de Minas Gerais, porque queria ser artista, e não padre.

Fiquei um pouquinho mais de um mês no ar mas foi bom. Por alguns motivos: pelo carinho da escrita da Beth, que nem me conhecia pessoalmente mas me presenteou, estabelecendo um elo de trabalho a partir dali, que se estendeu para sua novela seguinte ("Escrito nas estrelas"); pela oportunidade de estar em um elenco de primeira grandeza, que reunia nomes como Irene Ravache, Cleyde Yáconis, Osmar Prado, Aracy Balabanian e Cássia Kiss. Tudo isso a despeito das dificuldades enfrentadas por aquela novela. Uma produção que foi brava, lutou e passou com dignidade. E foi bom, sobretudo, pelo carinho e, posso dizer, pela fidelidade de Manga e Ulysses.

Na ocasião da novela, antes dela estrear, liguei algumas vezes para a casa do Manga para falar sobre a oportunidade de estar na novela mesmo que com outro papel. As mãos e a voz tremiam com medo de incomodá-lo, afinal ele já era um senhor de oitenta anos! Mas ele me surpreendia, recebia o chamado da empregada, falava comigo e pedia para eu ficar tranquilo. Numa das vezes disse:
-Enquanto eu respirar, você pode ligar pra mim! - num modo bem Manga de ser e que muito me honra e emociona porque "Eterna magia" foi o meu primeiro contrato como adulto, com o qual pude mudar de casa para o Rio de Janeiro, o início de um novo ciclo na minha vida.
Quando entrei na novela, Manga me chamou em sua sala e disse:
-Não falei que você ia fazer a minha novela? Prometi e cumpri.
A personalidade de Manga era forte, daquelas de que era infinitamente melhor receber elogios, pois sua voz e seu rigor eram igualmente fortes, explosivos. Tive a felicidade de dois encontros profissionais com ele nos quais senti a grandeza de sua experiência e também de seu carinho e de sua generosidade comigo e com outros colegas.

Manga tinha um estilo próprio: magnético, elegante, apaixonado por Felini, uma personalidade sedutora.... Trazia o charme de uma escola de direção (dos anos 50, 60) que já não existe mais e de um modo particular, Manga era grande contador de histórias, um show-man! Uma enciclopédia e um ícone do cinema e da televisão brasileira.
Que honra eu tive de trabalhar com o Manga e participar de seus dois últimos trabalhos! Levarei esta lembrança para toda a vida.


"Manguianas":
- A "praia" do Manga era mesmo o cinema, sua paixão! Quando assumiu o "Sítio", lembro dele dizer que não gostava muito de teatro.  E falava abertamente, sem medo. Há tanta gente que não gosta de teatro e tem medo de dizer que não gosta. É um direito.
- Há um pensamento dele que nunca esqueci. Ele disse, certa vez: "O que o diretor não entende é que todo autor é um pouco diretor; e o que todo autor não entende é que todo diretor é também um pouco autor". Achei esse pensamento curiosíssimo, e logo o estendi, até hoje, à relação diretor-produtor e ator-diretor.